El Anatsui : Le Chant des tessons

Pour marquer l'ouverture de la première adresse permanente de la galerie Efie, la galerie est fière d'accueillir la première exposition personnelle d'El Anatsui à Dubaï, Shard Song. Cette exposition, avec Mae-Ling Lokko comme commissaire et Aida Muluneh comme directrice artistique, présentera une série de nouvelles sculptures en bois rappelant la pratique antérieure d'Anatsui dans ce médium et son évolution continue, complétée par un ensemble de ses célèbres œuvres emblématiques en capsules de bouteilles.

Essai curatorial :

« Tel un objet se déplaçant à travers un fluide visqueux, l'esprit de l'« éclat » s'est réincarné maintes et maintes fois dans l'œuvre d'El Anatsui. Le terme « éclat » renvoie à l'unité fondamentale — un fragment brisé, un morceau perdu ou une pièce détachée — généré par un processus de rupture ou de division. Pourtant, la force vitale dormante et le potentiel de reconnexion sont incarnés au sein même de la notion d'éclat. Cela commence par l'idée que la véritable identité de toute chose est rendue visible dans la manière dont elle se brise ou résiste le long des lignes de sa structure et de la force de ses liens. Mais plus ardemment encore, les explorations d'Anatsui dans Shard Song offrent une signification plus profonde de la reconnexion au lendemain du traumatisme — que la parenté naît dans les blessures partagées. 

Au tournant de chaque exploration matérielle dans le parcours d'artiste d'Anatsui — de l'argile au bois, en passant par le textile, le verre et le métal —, c'est cette métamorphose matérielle de l' éclat et sa relation avec la sculpture anatsuienne qui continue d'offrir au monde un autre angle ou une autre qualité inexplorée dans le récit universel et complexe de la fragmentation et de la parenté. Pour beaucoup, braquer les projecteurs dans Shard Song sur les œuvres en bois d'Anatsui après vingt-quatre années de vénération mondiale pour ses sculptures murales métalliques suspendues peut ressembler à des « retrouvailles » avec un vieil ami. Pourtant, la relation d'El avec le bois n'a jamais faibli, s'approfondissant continuellement depuis la fin des années 1960, absorbant et traduisant de manière cumulative les leçons tirées d'autres médiums pour faire évoluer la liberté conceptuelle qui émerge dans ses nouvelles sculptures en bois. Soixante ans après ses premières explorations avec l'argile, Anatsui a commencé à capturer la qualité transitoire et dynamique ainsi que la malléabilité qu'il a développées dans la série de sculptures tridimensionnelles Broken Pots avec des matériaux terreux. En tant que sculpture murale bidimensionnelle, le défi de la malléabilité est relevé à travers une vaste gamme de variations topographiques riches, à l'échelle microscopique, sur la surface de panneaux de bois d'un demi-pouce d'épaisseur. Allant de motifs triangulaires bien définis comme dans DNA à des éclats fluides se dissipant dans l'espace comme dans Rainbow Hues, la surface des panneaux de bois dur tropical ghanéen est rendue souple et réceptive aux nuances de la main humaine. La nature lente et itérative du processus sculptural se révèle dans la relation intime du bois avec la main. Contrairement aux plus grands panneaux verticaux serrés les uns contre les autres, qui ont été coupés à la scie mécanique et dont les bordures blessées sont cachées à la vue, c'est la main qui traite la violence qui s'amorce sur le bord du panneau, pour aller vers l'intérieur du matériau et enfin jusqu'à la surface. Sculpté, brûlé, poncé et brossé de manière itérative par la main de l'homme, le médium de bois dur est patiemment façonné. Sur une période de dix mois, Anatsui use et réutilise le pouvoir du temps, du repos et d'une vision renouvelée pour saisir l'action subtile et la réponse du matériau à la force. Ce qui commence par des largeurs variées de panneaux de bois verticaux disposés sur le sol est transformé par un agencement rythmique sur le mur de l'atelier. Les décalages calibrés dans la hauteur verticale des panneaux assemblés communiquent un sentiment de leur vulnérabilité à la force à cette échelle. Comme si l'inhalation de coupes nettes et lisses réalisées par la scie mécanique le long de leurs grands bords avait fini par exhaler une qualité frémissante qui leur est propre une fois placés côte à côte. Peut-être cela est-il propre au panneau de bois lorsqu'il est réduit à un module rectangulaire plat et allongé, que l'effet initial d'un acte de violence devienne si clairement exprimé dans l'assemblage collectif. À cette échelle, on fait l'expérience d'une manifestation distincte de l'éclat qui contraste avec les éclats plus évidents et de plus petite échelle générés sur la surface sculptée qui accueille le regard du spectateur. Ici, la blessure du bord de chaque panneau de bois est puissamment maîtrisée, sa longueur totale étant exposée et touchant celle de son voisin. Cette absorption par le contact et la proximité continue d'activer et d'orienter la façon dont la toile de bois est façonnée et se transforme avec le temps. Tout comme un puzzle en constante évolution, rien n'est figé dans le processus d'Anatsui, et aucune relation entre les modules n'est impossible jusqu'à ce qu'un langage d'assemblage clair émerge entre eux. Si l'on cherche à explorer les nuances du langage de la rupture d'Anatsui, c'est ici que le langage d'un traumatisme non exprimé, mais sédimenté dans le corps matériel, est magistralement induit. La magie des œuvres d'Anatsui réside dans cette expérience multimodale et multi-plans — ce qui semble muet d'un point de vue se révèle simultanément comme traversant des possibilités exponentielles en réponse à la force. La force est toujours rendue présente et puissante dans le travail d'Anatsui — que ce soit dans le traumatisme direct et contondant de la scie mécanique sur le bois ou dans la liberté anticipée de la gravité agissant sur la sculpture suspendue. À travers une méditation de six décennies sur le langage de la causalité, dans Shard Song Anatsui ouvre la porte à l'hétérogénéité expressive de la force à travers trois nouvelles sculptures en bois. Dans Keyboard of Life, l'orientation d'une force convergente singulière se déplace horizontalement à travers l'ensemble de la sculpture. Les forces pré-convergentes se distinguent par des zones de bois tropical nu culminant en un point, après quoi les forces divergentes s'expriment sous forme de motifs sculptés plus profonds et de surfaces calcinées d'une grande richesse topographique. Dans Ancient Text, ce langage de la force s'incarne sous la forme de deux puissants tourbillons circulaires sculptés dans la surface du bois dur. Habituellement provoqué dans la nature par le contre-courant des fluides par rapport au flux dominant, le transfert intense d'énergie du tourbillon est distribué avec frénésie dans le mouvement cinétique vertical et horizontal des éclats, apparaissant comme des collisions énergétiques entre eux. À l'inverse, dans Rainbow Hues, une douce distribution de force émane d'un arc-en-ciel qui s'étend sur dix-sept pièces de bois verticales. Les éclats serrés glissent et se faufilent les uns contre les autres, générant une absorption et un transfert fluidiques de la force à travers tout son corps. 

De multiples plans de mouvement sont observés simultanément depuis les élévations frontales des sculptures, générant divers degrés de profondeur dans ces compositions en strates. Dans Keyboard of Life, nous observons l'insertion de panneaux verticaux à motifs et nus au sein de la famille dominante d'éclats horizontaux. Pourtant, ces éléments verticaux ne semblent pas interrompre le vecteur du mouvement horizontal, dans la mesure où ils agissent pour indexer le temps et la vitesse de ces forces. Des zones de la topographie calcinée ondulante, soigneusement sculptées en fines lamelles horizontales, évoquent l'expérience qualitative de la force — de ses pressions changeantes, de la lumière et de l'obscurité, de la densité et du vide. Des gammes chromatiques de jaune, de vert, de violet et de rose illuminent un vecteur d'éclats au sommet de la sculpture, révélant presque comme le ferait un rayon de soleil la présence de particules au sein d'une force en apparence invisible. La complexité de cette approche multi-plans émerge dans Ancient Text, en observant la spirale circulaire du tourbillon et la grille anarchique de sculptures horizontales et verticales semblables à des éclats. Ici, c'est presque comme si une région de l'espace au-dessus ou en face du tourbillon avait été découpée pour révéler un langage différent de mouvement dimensionnel par rapport au tourbillon. C'est au seuil des deux — du mouvement circulaire au mouvement orthogonal — qu'opère une traduction méticuleuse et complexe des forces.  Aucune n'échappe à ce seuil sans être transformée. Au sein des anneaux circulaires émergent des motifs de rides profondes ou de fissures, et à l'inverse, les reliefs calcinés imprègnent et s'intègrent aux sculptures aux motifs orthogonaux. Ce contraste dans les choix de motifs nous confère à nouveau une appréciation du temps — du plissement comme indicateur de la qualité ancestrale de telles forces et des motifs vibratoires orthogonaux, plus courts et énergiques, comme rappel du présent. L'éclat vif de jaune et de bleu sur deux panneaux verticaux nous propulse dans le présent et équilibre notre attention par rapport à la profondeur de la spirale calcinée. 
À travers l'ensemble des quatre sculptures en bois, c'est cette expérimentation décomplexée des nuances de couleurs qui nous permet d'observer le pouls grandissant de la liberté sans filtre d'Anatsui. Par rapport à ses œuvres en bois des années 1990, qui reposaient sur les riches teintes naturelles du bois dur tropical et sur le noir calciné, l'exploration constante d'Anatsui dans l'utilisation des pigments continue d'évoluer. Infusé dans le langage et la forme des fragments, des forces fragmentantes et de leur environnement immédiat, nous assistons à une transition dans la maîtrise de la couleur chez Anatsui, s'éloignant des couleurs vives et audacieuses caractéristiques inspirées par les traditions textiles du kente pour aller vers des ajustements plus tonaux de la couleur. Cette expérimentation tonale est peut-être une réponse à la couleur du bois dur tropical ghanéen lui-même.  Le retour d'Anatsui chez lui au Ghana depuis Nsukka, et l'activation de son nouvel atelier de création à Tema, au Ghana, ont également inauguré une exploration renouvelée des matériaux issus de l'écologie ghanéenne. Bien qu'il existe de nombreux parallèles dans l'inventaire des matériaux domestiques et industriels ghanéens et nigérians, les différences dans les types de bois durs disponibles dans ces écologies respectives stimulent l'exploration de la couleur chez Anatsui. Bien que Nsukka connaisse elle-même un climat de savane tropicale, et donc une diversité réduite des populations d'arbres, l'accès d'Anatsui à une riche variété de bois durs provenant de la région forestière environnante lui offrait une large palette de couleurs intrinsèques au bois lui-même — des rouges du bois de santal aux jaunes, et jusqu'au blanc pur. La palette de couleurs beaucoup plus réduite des bois durs ghanéens, limitée à la zone médiane des jaunes, donne l'occasion de jouer avec la variation tonale des pigments colorés comme une autre dimension d'expression. Associées à la gamme tonale singulière des pigments peints sur la surface du bois nu et sur les reliefs sculptés, les expériences qualitatives des phénomènes naturels sont tissées dans le récit. 

L'exploration progressive du module à plus petite échelle, probablement en dialogue avec la production parallèle de sculptures en capsules de bouteilles métalliques dans son atelier ghanéen, confère une granularité à la taille du fragment de bois et à ses motifs texturés. L'évolution de l'échelle et de la palette de couleurs tonales à travers l'ensemble des quatre nouvelles sculptures en bois concourt d'une manière inédite à évoquer un esprit indubitablement libérateur. La lumière rencontrant les particules de l'air se révèle dans une célébration tonale de la couleur, et le spectre des couleurs de l'arc-en-ciel se dissipe joyeusement en éclats fluides de bleu et de rouge. À l'échelle d'éclats de moins d'un pouce, les quatre sculptures amorcent un dialogue entre elles. Des motifs orthogonaux densément agencés dans Ancient Text à la qualité plus dissipative des particules et de l'espace libre de Rainbow Hues, un éventail d'aisance dans les motifs est généré. C'est au service de cette méditation tranquille sur quatre chefs-d'œuvre de forces et leurs « chants d'éclats » dérivés que la scénographie de l'exposition propose un parcours stratégique vers la sculpture en bois. 

L'exposition est organisée spatialement en trois zones qui modèrent le parcours des visiteurs, depuis un seuil public et vibrant vers un refuge intérieur calme et intime. Inspirée par les modes sociaux d'occupation des cours intérieures domestiques ghanéennes, qui négocient l'arrivée depuis une arène publique trépidante, la circulation à travers l'exposition débute par deux zones tampons dans lesquelles sont suspendues les sculptures en métal d'Anatsui. Ces sculptures métalliques suspendues, nouvelles et récentes, établissent un lien important entre l'évolution de la sculpture d'Anatsui vers le mur et une approche persistante du détail à petite échelle qui infuse ses sculptures en bois.  Au sein de ces zones extérieures, l'expérience de la lumière vive se reflétant sur les couleurs vibrantes des sculptures en métal contraste de manière spectaculaire avec la zone intérieure, sombre et solennelle, où sont présentées les sculptures en bois. C'est ici, dans le cœur embryonnaire de l'exposition, qu'est activée une méditation autour de quatre sculptures en bois en dialogue les unes avec les autres.

Bien que le retour d'El Anatsui dans son pays natal et l'expansion de son atelier au Ghana soient loin d'être le sujet de cette exposition, ses courants migratoires sous-jacents propulsent une nouvelle ère de liberté sculpturale et d'aisance matérielle, manifestes ici dans les sculptures en bois de Shard Song. C'est cette reconnaissance de la vulnérabilité individuelle et collective qui fait que la longue exploration par El Anatsui des thèmes de la séparation, de la solitude et de la reconnexion résonne aujourd'hui plus que jamais avec le monde.   Décontextualisée du monde qu'elle a connu, l'identité de l'éclat — vulnérable, exposée et solitaire — redevient avant tout un catalyseur de vie. Le terme « chant » dans le titre de l'exposition est tout autant la reconnaissance de l'esprit libérateur accompli dans ces nouvelles sculptures qu'un hommage à la quête courageuse de libération menée par Anatsui tout au long de sa vie. »

– Mae-Ling Lokko