La forme des choses à venir

Artistes présentés :
El Anatsui (né en 1944, Ghana)
Carrie Mae Weems (née en 1953, États-Unis)
Abdoulaye Konaté (né en 1953, Mali)
Yinka Shonibare (né en 1962, Royaume-Uni/Nigeria)
Iman Issa (née en 1979, Égypte)
Adam Pendleton (né en 1984, États-Unis)

The Shape of Things to Come est une exposition tournée vers l’avenir qui réunit un groupe diversifié d’artistes de renommée internationale dont les pratiques éclairent les complexités d’un monde en mutation rapide. En son cœur, l’exposition propose une réflexion sur la manière dont l’art ne se contente pas de réagir aux transformations, mais les anticipe et les façonne. À travers des palettes audacieuses, des textures inventives et des matériaux non conventionnels, ces artistes repoussent les limites de la peinture, de la sculpture et de la photographie, démontrant la résilience et l’adaptabilité de l’art pour refléter la vie contemporaine et y intervenir. Les œuvres exposées tissent un dialogue qui prend acte des turbulences et des récits culturels mouvants d’aujourd’hui, tout en affirmant la capacité durable de l’art à inspirer la réflexion, la résistance et le renouveau. Collectivement, elles mettent en lumière le double rôle de l’art en tant que témoin et catalyseur, offrant des interventions visuelles qui nous incitent à réinventer l’avenir. 

Le titre de l'exposition découle d'une foi fondamentale en la capacité d'action humaine, la conviction que nous façonnons activement notre avenir plutôt que d'attendre passivement des issues prédéterminées. Cette perspective s'érige en contrepoint direct à la pensée fataliste, affirmant au contraire que demain se sculpte à travers nos décisions conscientes et nos actions délibérées entreprises aujourd'hui. Dans le domaine des arts visuels, cette philosophie trouve une expression profonde au sein même du processus créatif. Chaque œuvre représentée dans cette exposition a commencé par une idée, une vision qui n'existait que dans l'imagination de l'artiste, avant d'être transformée en réalité tangible. Les tapisseries de capsules de bouteilles d'El Anatsui, les explorations sculpturales d'Iman Issa, les compositions textiles d'Abdoulaye Konaté, les abstractions textuelles d'Adam Pendleton,  
 
les récits photographiques de Carrie Mae Weems illustrent tous ce cheminement du concept à la création, démontrant comment les artistes donnent littéralement forme à l'avenir à travers leur pratique. Ces six créateurs de renommée internationale ne se contentent pas de documenter le changement, ils participent activement à son élaboration, utilisant leurs voix créatives pour bousculer les récits existants, proposer de nouvelles possibilités et inspirer les spectateurs à réinventer ce qui les attend.  

Parmi les artistes présentés, El Anatsui s’impose comme l’une des voix contemporaines les plus célébrées d’Afrique. Renommé pour ses sculptures murales métalliques et scintillantes composées de matériaux recyclés tels que des capsules de bouteilles d'alcool, des plaques d'impression et des râpes à manioc, Anatsui transforme des objets modestes et mis au rebut en de vastes œuvres semblables à des tapisseries. Ses constructions incarnent les thèmes du patrimoine culturel, de la durabilité environnementale et de l'interconnexion mondiale. En retravaillant des fragments pour en faire des formes éblouissantes, il invite les spectateurs à contempler les strates d'histoires inscrites dans les matériaux du quotidien, tout en célébrant des traditions artisanales transmises de génération en génération. Au sein de cette exposition, ses œuvres méditent sur la transformation — tant de la matière que du sens — démontrant comment les fragments du passé peuvent être réassemblés pour former de nouveaux récits culturels qui transcendent les frontières. 

Apportant une sensibilité conceptuelle singulière, Iman Issa explore la manière dont l'histoire, la mémoire et le langage s'entremêlent. Reconnue pour sa série Heritage Studies, Issa réinvente les artefacts historiques sous forme de sculptures abstraites et minimalistes associées à des textes interprétatifs. En s'appropriant des outils muséologiques tels que vitrines, socles et cartels précis, elle déstabilise l'autorité des objets historiques en les dépouillant de leurs origines temporelles et géographiques spécifiques. Les œuvres qui en résultent soulignent la nature mouvante du patrimoine, questionnant la manière dont les récits sont construits et redéfinis au fil du temps. La contribution d'Issa à l'exposition apporte un commentaire nuancé sur les cadres changeants de l'interprétation culturelle, s'interrogeant sur ce qui subsiste du passé et sur la façon dont ces vestiges sont remodelés dans le présent. 

Expedition of Punt, 2017, poursuit l'exploration d'Issa autour de la réinterprétation historique à travers une abstraction minimale. À l'instar d'autres œuvres de la série, elle métamorphose des artefacts anciens en une sculpture géométriquement abstraite, remettant en cause la présentation muséale conventionnelle. Le texte didactique qui l'accompagne fait référence à des sources historiques tandis que l'objet physique opère à la jonction entre forme contemporaine et contexte historique, créant des iconographies alternatives qui interrogent les récits officiels. 

L'artiste malien Abdoulaye Konaté propose des installations textiles monumentales créées à partir de tissus tissés et teints originaires de sa terre natale. Profondément enraciné dans les traditions d'Afrique de l'Ouest où les textiles servent de vecteurs de communication, Konaté mêle abstraction et figuration pour aborder des questions sociales, politiques et environnementales. Son usage de la couleur et de la forme évoque à la fois la fragilité et la résilience, ancrant des préoccupations mondiales urgentes dans un langage local de tissus et de teintures. Dans Resistance, 2025, de Konaté, la richesse tactile des textiles devient un espace de narration collective, une esthétique à la fois enracinée dans la mémoire culturelle du Mali et universellement résonnante dans son appel au renouveau et à la justice.  

L'exposition présente également Adam Pendleton, un artiste contemporain américain dont la pratique multidisciplinaire englobe la peinture, le collage, la vidéo, la performance et l'installation. Au cœur de son travail se trouve le concept de Black Dada, un terme qu'il a inventé pour décrire un langage visuel et culturel qui fusionne l'expérimentation radicale du mouvement Dada avec les politiques de représentation des Noirs. Les peintures textuelles et les œuvres murales à grande échelle de Pendleton associent souvent le langage, les images et l'abstraction, créant un jeu dynamique entre lisibilité et obscurité. Cette démarche est illustrée dans deux tableaux de 2024 : Black Dada (D) et Untitled (WE ARE NOT), tous deux réalisés avec de l'encre sérigraphique et du gesso noir sur toile.  

Grâce à sa pratique novatrice, Pendleton élargit les conversations autour de la race, de l'abstraction et de la production culturelle, consolidant sa position de voix déterminante de l'art contemporain. Black Dada (D) met en scène une seule lettre « D » nettement imprimée qui contraste avec des formes peintes à la main, tandis qu'Untitled (WE ARE NOT) intègre des extraits du manifeste Black Dada de Pendleton : « nous ne sommes pas naïfs / nous sommes successifs / nous ne sommes pas exclusifs ». Cette dernière œuvre explore les thèmes de la résistance culturelle, de l'identité et de l'abstraction conceptuelle à travers un texte fragmenté et des marques gestuelles qui remettent en cause la frontière entre peinture et langage.  

L'artiste britannico-nigérian Yinka Shonibare CBE est célébré pour ses explorations incisives du colonialisme, du post-colonialisme et de la mondialisation. Travaillant à travers la sculpture, la peinture, la photographie et l'installation, Shonibare interroge la race, la classe sociale et la culture au moyen d'œuvres qui marient critique politique et clins d'œil ludiques à l'histoire de l'art et à la littérature occidentales. Ses œuvres Hybrid Mask (Bamana N Ntomo),